Angesichts dieser Weltenlage nicht irritiert zu sein, wäre ein Kunststück. In impliziten Andeutungen verhält sich die Künstlerin Petra Kost in ihrer Malerei zu den Zeitthemen und den fragilen Zuständen unseres In-der-Welt-Seins.

In ihrer Ausstellung IRRITATION zeigt sie ihre neuen farbstarken, dynamischen und oft überraschenden Werke. Beginnend mit intuitiven Farbschüttungen und provozierten Zufällen, klärt sie Schritt für Schritt mit bewußtem Setzen von Flächen, Umrissen und Figuren das Bildthema. Gefährdung und Zerfall stehen neben Verwandlung, Rätselhaftem und potentiell Trost Gebendem.

Die in Hamburg und Italien lebende Künstlerin und Psychologin Petra Kost hat in der Synthese von ungegenständlicher und figürlicher Malerei zu einem ganz unverkennbar eigenen Stil gefunden.

Ihre Bilder geben den Betrachtenden Raum, ihre Phantasie spielen zu lassen und die eigenen Bedeutungen zu erspüren. (www.petra-kost.com)

Unter diesem Titel zeigt der Maler Matthias Oppermann neue Arbeiten in der Galerie Morgenland und stellt sie zur Diskussion. Der Titel der Ausstellung benennt „Erinnerung“, ein Thema, das den malenden Forscher Oppermann seit Jahren beschäftigt. Ihn interessiert, was an Strukturen von einem Erlebnis, z.B. einem Landschaftseindruck wirklich in Erinnerung bleibt. Wie kann er das auf Papier oder Leinwand bringen, ohne zu lügen. Denn jede Künstler:in kann bei entsprechender Ausbildung jedes Erinnerungsfragment zu einem Ganzen zusammendichten. Das ist aber nicht das, was Oppermann sucht. Ihm geht es um die authentischen Reste, die als Erinnerungsspuren zurückbleiben. Ausgehend von Linien oder Strukturen, die dafür stehen, kommt die Farbe hinzu und im weiteren Prozess der Bildentstehung hat man das Gefühl, dass die Linien und Farben in Schwingung versetzt werden. Man weiß dann mitunter nicht mehr, wo oben und unten ist.
Erinnerungsspuren werden hier weiterfantasiert. Dies trägt dem Rechnung, dass Oppermann Erinnerung nicht als etwas Statisches versteht, sondern eingebettet in einem emotionalen Assoziationskontext. Es geht in seinem Prozess um Verdichtung, in der die Erinnerungsspuren eine zunehmende emotionale Intensität bekommen.

Herumstreifen, suchend, ich brauche ein neues Motiv. Die Suche oft erfolglos, langwierig. Dann, endlich: ein Ausblick, der fesselt – eine Baumgruppe am Wegrand, ferne Türme eines Kraftwerks. Fotos, viele. Eines wird zum Sujet. Es ist, als erkenne ich in ihm etwas von mir selbst. Eine Empfindung findet ihren Widerhall. Vorfreude auf ein langes Malen.
 

Vorzeichnungen, dann grobe Farbflecke, stets mit eingehendem Blick auf die Vorlage. Oft schon nach mehreren Tagen etwas vom ursprünglichen Impuls auf der Leinwand. Diesen verheißungsvollen ersten Anreiz erhalten, verstärken: Pinselkonturen, Farbnuancen korrigieren, ergänzen, verdichten das Gesetzte. Täglicher, mehrstündiger, fast kontemplativer Vorgang.
 

Immer wieder Zweifel, ob etwas daraus wird. Tiefe fehlt. Also weiter: Genaues Hinschauen und entscheiden, was hinzufügen, verwischen, verstärken. Befriedigung (in einzelnen Momenten), nicht etwa, weil das Bild steht, noch lange nicht, sondern weil es wächst.
 

Dies᾿ Gefühl ist vielleicht der Antrieb meiner Malerei. Und wenn die Arbeit gelingt, blicke ich nach Monaten auf eine Leinwand, die in sich ruht. 

"Wenn einer eine Reise tut, so kann er was erzählen..." (Matthias Claudius)

Nach Porösen Hausgeschichten vor genau einem Jahr am gleichen Ort,
aber digital, heißt die neue Ausstellung H-AUS-WEG;
mit übereinstimmendem Titel für Film und Malerei.
Von außen fällt der Blick auf die Malerei, dann zum Film in den Binnenraum des Monitors.
Was ist innen, was außen?
Verbunden in der Kette ist diese Ausstellung
zwischen Begriffen angesiedelt, die sich in Film und Malerei überlagern.

H-AUS-WEG

Ein gezeichneter Weg, ein vorgezeichneter Weg, das H als Gebäude, zwei Wandträger mit Verbindungsstück.
Auch hier im Zentrum eine Königin mit ihrer Entourage, dem Apparat und seinen angehängten Reglements top down.
Ein Haus mit spiegelnden Fluren,
die Aufstiegsleiter im Blick und zwischen H und WEG das AUS.
Im AUS - RAUM wird modelliert, aussortiert und abgeräumt.
Nach dem AUS der WEG oder doch eher weg?
Aus allen Poren strömt, mit Mehltau umgeben,
das Treten und Stochern auf der Stelle,
Aufrühren und Wegschmeißen, die Angst.
Ende -----lange Pause.

Kunst zu machen heißt immer auch, über Kunst nachzudenken. 

Was mache ich? Ich lege einen Nebel über die Dinge, ich spiele mit dem 

Verdecken. Gibt es einen guten Weg, Versprechen nicht zu halten? Ich muss reagieren. 

Ich darf mir nichts vorstellen. Ich und Du und Es verschwimmen in der Betrachtung für 

einen Augenblick. Das Schönste ist , die Balance zu finden zwischen dem Vergnügen, das 

mir meine Bilder bereiten und Freude, die aus der Unabhängigkeit von ihnen erwächst. 

Ich möchte nicht kompliziert sein. Aber Einfachheit ist gar nicht so einfach. Und 

nüchtern möchte ich auch nichts sein. Wie kann ich aber den Dingen, die mir wichtig 

sind, Beachtung schenken, ohne bedeutungsvoll zu sein? Wie kann ich alles auf das

 Wesentliche beschränken, ohne die Poesie zu entfernen? Kann ein Rhythmus das Bild 

zum Leuchten bringen?  

Die Arbeiten von Katrin Stender erzählen von der Herstellung einer vagen 

Eindringlichkeit. Der Strich ist schnell. Eine raue Suche nach Authentizität. Mit 

Zurückgenommenheit wird gespielt. Das Bild muss atmen. Es geht um Lebendigkeit.

Barbara Pier:

Wer ist ein Mensch?
Was ist ein Mensch?

Diese Grundfragen sind Ausgangspunkt der Malerei,
die sich mit dem Individuum und den gesellschaftlichen Zusammenhängen auseinandersetzt.

Einsamkeit, Vereinzelung, Gewalt, Geborgenheit, Macht und Ohnmacht,
Schrecken und Erstaunen werden in, zum Teil verschlüsselten, Bildern dargestellt.

Unberührt von jedwedem ›Zeitgeist‹ ermalt sich die Künstlerin ihre Wahrnehmung der Welt:
Malerei als Mittel die Welt zu sehen und auch zu verstehen, ohne den Betrachtungsspielraum einzuengen.

Malerisch geschieht dies in unterschiedlichen Facetten, häufig ohne Bildperspektive, manchmal wie auf einer Bühne inszeniert, mit Scheinwerferlicht aus dem Dunkel hervorgehoben.
Die Farbe dient der Atmosphäre, den poetischen Färbungen,
reduziert unterstützt sie die Konzentration auf den begrenzten Raum.

Die Menschenfiguren sind einerseits das Andere, uns fremd, anderseits auch ein Teil unserer eigenen Erfahrung und damit seltsam nah.
Sie suchen und sie fliehen, sie erstarren und tanzen.
Sie sind geschmückt oder schier.
Sie sehen den Betrachter an oder verschließen die Augen.

Gesellschaftliche Ereignisse, Literatur und Lyrik sind Quellen gedanklicher Inspiration.

Teilnehmende

Helga Albrecht, Benjamin Appelt, 

Young-Ja Bang-Cho, Christian Beier,  

 Claudia Blank, Halina Bober,

Annette Bülow,  Ferdinand Damann, 

Susanne Dettmann, Nicolaus Dinter,

Peter Döring, Birgit Dunkel,  

Ute Flemming, Nicole Franz,

Friederike v. Gehren,  Bibi Gündisch,

Maren Hansen, Stefanie Harjes, 

Gerd Heide, Carmen Hillers,

Heilwig Jacob, Eberhard Jaeckisch,

Marianne Janze, Katarina Jensen, 

Inge Kasprzak, Margret Köhler,

Sabine Kramer, Brigitte Kratschmayr,

Beate Kratt, Hans-Ole Kuschmann, 

Detlef Lemme, Gesa Lüdemann,

Dagmar Mahlstedt, 

Lillemor Mahlstaedt,

Thorsten Maul, Barbara Meier, 

Barbara-Kathrin Möbius,

Matthias Oppermann, 

Stefan Oppermann,

Anne-Katrin Piepenbrink, 

Helena Rauova, Klaus Schlabbach,

Antje Schönau, Gabriele Schwark,

Carla Sendelbach, Hella Seith, 

Mareile Stancke, Karin Syring,

Vira Vaysberg, Ilka Vogler,

Gabriele Wendland, Hildegard Winter-Otte, 

Hans-Werner Wolf, Hartmut Wolf,

Henrik Zawischa

Helga Albrechts Landschaftsmalerei ist geprägt von ihrer Liebe zur Natur und ihren Reisen in fremde Landschaften, die sie zum Teil noch Jahre später künstlerisch beschäftigen. Sie malt in Öl oder Acryl auf Papier oder Leinwand und auch mit digitalen Werkzeugen am Computer. Ihre Landschaften wechseln zwischen Abbildhaftem und Abstraktion. Inspiriert wird sie von Farbstimmungen und Farbkombinationen, Lichtverhältnissen, organischen Formen und Kompositionen einer Landschaft. Im Prozess des Malens erfolgt jedoch eine Loslösung vom auslösenden Impuls, von der Absicht, etwas Bestimmtes darzustellen. Ein Werk visualisiert ein Zusammenkommen von Gefühlszuständen, im besten Fall eine Synthese, die ein Landschaftsfragment in ihr hervorgerufen hat. Es enthält die Emotionen und die Faszination, die sie in der Natur gespürt hat und die sie durch das Bild an die Betrachtenden weitergibt. Es ist dies eine der Bedeutungen von Kunst für sie – Berührung und Begegnung erschaffen zu können, auf emotionaler Ebene und unmittelbar.

Der Vorgang des Malens geschieht gleich einem inneren Monolog im ungerichteten Zeitfeld.

Authentische und komplexe Zusammenhänge geben dem Jetzt eine Form.

„Geredet“ wird über das Gleiche in Vielfalt: woher komme ich – wohin gehe ich – wozu das alles ...

Dabei ist das logische Verstehen nicht das Ziel, vielmehr ein in Raum und Tiefe der Zeit erweitertes Aufspüren von Fremdvertrautheit.

Die Suche nach Solidarität und Zuversicht führt mich zu anderen Lebewesen und Geschichten aus der Geschichte, die mir eine Nische bieten.

Mikrokosmos und Makrokosmos, die Sicht auf Nahes und auf Entferntes, hinauf in die Höhen und in die Abgründe, Kontrolliertes und Unkontrollierbares. Blickänderungen erzeugen Bewusstseinsänderungen. Linien erzeugen Grenzen, die gleichzeitig Räume verbinden.Einfarbige Flächen können Harmonie erzeugen oder stören. Es ist ein Vexierspiel zwischen gesehener Wirklichkeit und den Möglichkeiten, welche diese Wirklichkeit immer wieder zum Kippen bringen können.

Die alpine Landschaft, in der ich aufgewachsen bin und der Respekt vor der Natur prägt mich. Ungewissheiten für Menschen sind hier allgegenwärtig. Der Wandel der Jahreszeiten, der Wandel der Natur insgesamt gibt mir immer wieder neue Begeisterung und Motivation. Ebenso prägt mich die Entwicklung der Gesellschaft in ihrer technologischen und soziologischen Dynamik. 

Es geht um den Versuch, verschiedenste Aspekte, auch von Zeit zusammenzuführen. Eine Realität des Dazwischen mit den Mitteln der Malerei zu objektivieren und zur bildbestimmenden Dimension zu machen. 

Chika Aruga

http://chika-aruga.com

Kontakt:mail@chika-aruga.com

Auch Bilder, die aus bestimmten aktuellen Ereignissen entstehen, 

können diesen Aspekt der Zeit-Ungebundenheit haben.

Dies stellt sich in der Rückschau heraus.

Alles kann fast immer und ohne feste Anbindungen passieren 

und eine Umsetzung finden. 

Der “Grundstoff“ für die Malerei Barbara Piers ist fast unverändert .

Die Umstände, in denen Menschen leben, sie verursachen und dann erleiden, 

bewegen sich spiralförmig.  Veränderungen sind oftmals vorübergehend. 

Die Welt geht in die  Malerei, und durch sie hindurch. 

Barbara Pier arbeitet seit 1993 freischaffend, 

ist Mitglied im Berufsverband der bildenden Künstlerinnen und Künstler

und der GEDOK.

Seit mehreren Jahren ist sie Mitglied der Kuratoren-Gruppe der Galerie Morgenland.

Die Ausstellung wird vom Bezirksamt Eimsbüttel gefördert

Die Landschaftsaquarelle von Helga Albrecht beruhen auf den Eindrücken und Bildern, die sie von mehreren Reisen in den Westen der USA mitgenommen hat. In ihnen beschäftigt sie sich mit der Präsenz und Fülle von Natur und Vegetation, dem Reiz fremdartiger Topografie, mit Farben und Strukturen, Weite und Dynamik und der Dramaturgie von Licht und Schatten. Ziel ist dabei nicht die Wiedergabe oder Abbildung bestimmter Landschaften, sondern der Ausdruck der selektiven Wahrnehmung der Künstlerin von bestimmten Aspekten von Natur und Landschaft, um die subjektiv empfundene Schönheit und Einzigartigkeit zu würdigen und zu teilen. 

Die Ausstellung wird vom Bezirksamt Eimsbüttel gefördert.

Die in Hamburg lebende Malerin Katrin Stender gibt in der aktuellen Ausstellung einen Einblick in ihre Arbeiten aus dem Jahr 2020. Das Nebeneinander von ungegenständlicher Arbeit einerseits und dem Portrait andererseits - eine Vorgehensweise, die sich in den Arbeiten von Katrin Stender immer wieder zeigt - findet sich also auch in dieser Bilderschau. Eine malerische Pendelbewegung, die sich unter den Bedingungen der Pandemie wie unter die Lupe genommen ansehen lässt.

Susanne Gressmann:

In  dem Begriff Stillleben intressieren mich die Worte Stille und Leben,
die darin enthalten sind.
Ich verbinde mit Stille etwas Positives, ich verbinde damit Ruhe,
Einklang und Vollkommenheit.
Leben ist beweglich, veränderlich und dynamisch.
Zwei unterschiedliche gegensätzliche Impulse eröffnen mir gedanklich
einen Spannungsbogen unter einer Überschrift.

Der in Hamburg geborene Maler Rolf Naedler (64) zeigt in der Galerie Morgenland Gemälde und Objekte.

In der Ausstellung mit dem Titel „Nachsinnen über Dingliches“ liegt der Fokus auf Arbeiten, welche aus ihrem natürlichen Umfeld isolierte Dinge und Objekte zeigen. Das Interesse des Malers gleicht hierbei einer gedanklichen Wanderung, in welcher er Objekte der Alltagskultur aufgreift und auch Tiere und Pflanzen als Stellvertreter für die Natur.

Diese werden in Muster oder andere ungewöhnliche Strukturen eingebettet. Hierdurch entstehen neue Wahrnehmungs- und Deutungsansätze. Bildanlässe können beispielsweise Kindheitserinnerungen oder eigenes Forschungsinteresse sein, Zufälle oder Blicke auf den Wegesrand.

Ästhetische und inhaltliche Anreize, in Malerei zu übersetzen, führen bei Rolf Naedler zu sublimen Verdichtungen. Diese geben Raum für ein Nachsinnen über den Malprozess und das Darstellen, wie auch über die Dinge selbst. Ein guter Anlass, die Eindrücke mit dem Künstler selbst zu besprechen.

Sommer 1978. Ein 9-jähriges Mädchen rudert mit ihrem Holzboot allein hinaus in eine Bucht des Atlantiks. 
Sie legt die Schwimmweste ab, sie angelt, sie springt ins Wasser. Sie beobachtet das Land aus der Ferne: Ein Gefühl großer Freiheit, keine Vorschriften, keine Regeln. 
Diese Abenteuer erinnern die Künstlerin Nicole Pasqualino an ihre Kindheit an der Ostküste der USA und inspirieren sie zu den Arbeiten ihrer Ausstellung “Boys&Boats”.
Mit ihren ausdrucksstarken Holzschnitten und Mixed-Media Arbeiten erzählt Nicole Pasqualino  Geschichten von der Begegnung mit der Kraft, der Tiefe und Weite der See.
Von Menschen, die (in sich) ruhen, sich treiben lassen, sich freischwimmen und versuchen, den Kopf über Wasser zu halten.

Diese Ausstellung bietet eine Gegenüberstellung von Bildern, die Waldeindrücke reflektieren und einer Werkgruppe, die zum Thema Mais in den letzten Jahren entstanden ist.

Die Künstlerin Olga B. Runschke spürt in ihrer Malerei mit ihrer sehr eigenen Farb- und Formensprache ihren Erlebnissen und Eindrücken nach, die sie bei Streifzügen durch ein Landschaftsgebiet nordöstlich von Hamburg erlebt. 

Durch ihren aufmerksamen Blick und einer ausgeprägt teilnehmenden Wahrnehmungsfähigkeit von  Naturerscheinungen  gelingt es ihr immer wieder, auf der Leinwand eine Verdichtung und gleichzeitig Bewegung zu erzeugen, deren Erscheinung ein intensiv durchgearbeitetes und trotzdem offenes Bild ergeben. Diese Qualität tritt besonders deutlich bei den Waldvegetationsbildern „grünes Herz“, „Strömung“, „Kreuzung“ hervor, in denen es der Künstlerin um die heute so bedrohte Kostbarkeit und geheimnisvolle Schönheit der Vegetation geht.

Die Arbeiten zum Thema Mais wurden durch die Begegnung mit den „Maiskrallen“ initiiert – Maisstrünke auf den abgeernteten Feldern. In ihnen beherrscht eine fast holzschnittartige Zeichnung und Struktur die überwiegend in schwarz/weiß gemalten Bilder.  „Maisfeld im Vorfrühling“ und „breit und weit“,  nehmen das ökologische Todesszenario auf, das der massenhafte Maisanbau heute großflächig auf dem Acker hinterlässt. 

Gewürdigt wird die Maispflanze mit ihrer großen Kraft, die eine der wichtigsten Nahrungspflanzen in vielen Gegenden auf der Erde war und ist, in dem Bild „trotz“, das eine einzelne auf einem abgeernteten Feld, - wie durch ein Wunder-, stehengebliebene Maisstaude zeigt.

Die Ausstellung möchte anregen, über die heutige extrem widersprüchliche und bedrohliche Situation unserer Lebensgrundlagen nachzudenken.

Olga B. Runschke studierte von 1979 bis 1985 freie Kunst an der Hochschule für bildende Kunst, Hamburg. Sie hatte viele Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen und lebt und arbeitet in Hamburg und Sirksfelde.

In der Ausstellung „Verkörperungen“ zeigt Arbeiten von Matthias Oppermann, die sich mit der Wahrnehmung von Landschaft auseinandersetzen. Als Bergsteiger, Spaziergänger, Maler und Fotograf erforscht er seit Jahren den eigenen Blick auf Landschaft. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen Arbeiten, die das Sich-in-einer-Landschaft-befinden in den Fokus rücken. Dieses Sich-befinden ist ein körperliches Erleben und wird in seinen Arbeiten dadurch zum Ausdruck gebracht, dass Landschaften dem Betrachter wie Körper entgegentreten. Es geht um Gefühle von Verschmelzung, Idealisierung, Fremdheit, aber auch Beunruhigung und Angst. Die sichtbaren Folgen des Klimawandells führen zu einer Irritation und einem latenten Gefühl von Bedrohung. Dies ist in den oft schönen Bildern immer spürbar. Berge zerbröseln, zeigen neue Bruchlinien. Aus diesen Bruchlinien steigen animistisch gefärbte Ängste: man könnte auf den Gedanken kommen, die Natur beginne sich zu rächen. In den Bildern ist Suche nach Landschaft und die Angst vor deren Verlust spürbar.

Die diesjährige thematische, unjurierte Gruppenausstellung trägt den Titel "MORGEN-LAND". Unter diesem Namen wurde die Galerie Morgenland vor 51 Jahren gegründet. "Morgenland" bedeutete den damaligen Gründern die Möglichkeit und Erarbeitung von Zukunftsvisionen: Wie sieht das Land morgen aus? Heute, im Jahr 2019 beinhaltet das Wort "Morgenland" noch ganz andere Assoziationen. Die Fragen über das "Morgen" hat an existentieller Bedeutung gewonnen. 

"Es war einmal ein sehr kalter Winterabend. Ich wollte mir auf dem Rechner eine bestimmte Gegend auf Rügen anschauen . Dort gibt es einige live-cams an touristisch interessanten Orten, damit man schon mal den Ausblick aus dem Hotelfenster vorweg nehmen kann. Den live-cams schien aber die Kälte gar nicht gut zu bekommen, denn ihre Bilder zeigten nur bunte, verwischte Schlieren, die mit Rügen so gar nichts zu tun hatten, aber umso mehr die Fantasie anregten. Wenn das Rügen sein soll, wer bin dann ich?
Ich erweiterte daraufhin meine Web-cam-Reise auf andere deutsche Inseln und begab mich anschließend nach Island, Grönland, Neufundland und die Antarktis. Die Live-cams von Rügen blieben allerdings ungeschlagen, was die besondere Qualität ihrer eigenkreativen Nicht-Abbildungen anging. Die für mich interessantesten, weil fantasieanregenden Fotos druckte ich aus und verwendete sie als Vorlagen für Malereien mit Wasserfarben, fühlte mich ganz so wie ein Reiseaquarellist des 19. Jahrhunderts. Das Besondere an den Fotos ist, daß sie einen ganz sachlichen Blick auf die "Landschaft" wiedergeben, rein funktional wird ja nur z.B. der Zustand der Straße beobachtet. Es ist ein Gegenstück zu einer das Spektakuläre oder Pittoreske suchenden Hochglanzreisefotografie.
Wenn man eine solche "Reise" per live-cam vor dem Rechner einige Zeit durchhält, kann man durchaus die Idee entwickeln, in einer Art Mars-Rover auf dem Bildschirm  einen fremden Planeten zu betrachten. Dann wird jedes einzelne Bild plötzlich zu einer Interpretationsaufgabe."

(Ralf Jurszo)

Einführung: Matthias Oppermann

Was berührt den Blick? Was bewegt ihn? Was hält ihn auf? Die Bilder dieser Ausstellung erzählen auf sehr eigene Weise von Augenblicken im täglichen Leben und stellen Fragen an das Sehen selbst. Hier nähert sich die Malerei auf Leinwand dem Phänomen des Sehens in Bewegung an.

Die Hamburger Fotografin Ulla Penselin zeigt in ihren Fotografien einen Mikrokosmos städtischer Räume. Sie erkundet das Zusammenspiel von Materialien, Farben, Stilen und Strukturen.
„Ich falte quasi den Raum zu einer Fläche auf, um die in ihm enthaltenen Elemente im Detail zu betrachten und in direkte Verbindung zu einander zu bringen. Die stilistischen und materiellen Komponenten vereinen sich – harmonisch bis dissonant. Ich berichte nicht über die Architektur eines einzelnen Gebäudes, sondern spüre die Anmutung eines eng begrenzten städtischen Raumes auf.“
Die Kompositionen werden durch die gezielte Wahl des Standortes und Ausschnittes erreicht. Zu sehen sind Elemente von jeweils zwei oder drei Gebäuden, die nebeneinander, hintereinanderoder sich auch gegenüber stehen können. Der perspektivische Zusammenhang wird durch den ausschnitthaften Blick fast unsichtbar.
In der Ausstellung in der Galerie Morgenland stellt Ulla Penselin nun einigen ihrer Fotografien aus deutschen Städten woanders entstandene Aufnahmen gegenüber. Getragen von der gleichen Idee und mit dem selben Objektiv begab sie sich in Thailand und Singapur auf die Suche – in einer anderen geschichtlichen, kulturellen, architektonischen, ökonomischen und klimatischen Umgebung.
Ulla Penselins künstlerische Auseinandersetzung mit dem städtischen Raum hat ihren Ursprung in ihrer langjährigen dokumentarischen Arbeit. Seit über 35 Jahren hält sie systematisch die Veränderungen ihres Stadtteils St. Pauli-Nord fotografisch fest.
Zur Eröffnung der Ausstellung spricht Donata Predić.